Rassegna stampa

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Omaggio a Marziale

Nota a Omaggio a Marziale , Ventiquattro epigrammi scelti e tradotti da Mario Fresa , con due interventi visivi di Carlo Villa -
Edizioni L’Arca Felice, Salerno, 2011 

Tradurre è tradire, d’accordo. Ma perfino tradire è un’azione che si può compiere in vari modi. Mario Fresa traduce ventiquattro epigrammi di Marco Valerio Marziale con uno spirito acuto, rispettoso ma non servile, libero ma non invadente, divertito ma non privo di spessore. Forse tale tradimento sarebbe piaciuto anche all’autore latino. Il rischio era quello di un’eccessiva fedeltà all’originale, oppure una fuga nella parodia: le invettive di Marziale, cronologicamente definite e altrettanto universali, avrebbero potuto somigliare ai vaniloqui stile Grande Fratello o agli sfoghi di certi tribuni da stadio o da studio, televisivo. Mario Fresa ha schivato tale minaccia, cogliendo e ritrasmettendo lo spirito più autentico della verve espressiva: quella del gioco, serio, per definizione, per necessità, per poter essere eversivo, come eversiva è sempre la parola che contiene anche il pensiero, il guizzo della mente che osserva e riplasma il mondo, anche se il mondo resta lo stesso, o sembra restare immutato.
I ventiquattro epigrammi contengono pensieri sulla vanità, la gloria, il sesso, la libertà, perfino l’amore: o quello che osiamo chiamare con tale nome.
La demolizione non è opera distruttiva fine a se stessa: contiene, semmai, il gusto del burlesco, quello che aiuta a resistere all’assurdo, tramite un’assurdità più umana e sensata. Con tutta la sostanza, la leggerezza e la libertà di una risata.

Ivano Mugnaini

 

 

 

Paolo Romano parla della collana Hermes su "La Città"

articolo del 20 gennaio 2012

 

Articolo apparso su "Via Cialdini"

Marziale poeta trascurato

Scritto da  Giuseppe Vetromile

Omaggio a Marziale di Mario Fresa - Una interessante e piacevole novità dalla mente (e dal cuore) poetica dell'instancabile Mario Fresa, che oltre a interessarsi proficuamente di editoria e di promozione letteraria, è prima di tutto un poeta di ottimo livello, e chi segue (e non solo sui vari siti internet e blog dedicati alla poesia) le novità, gli incontri, le discussioni e i commenti inerenti a questo mondo così particolare e delicato, ma pur sempre affascinante, non può non aver letto o almeno consultato uno spazio poetico del nostro amico Mario Fresa .

La novità di cui parlavamo prima è dunque un libretto interamente dedicato a Marziale, dal titolo, appunto, "Omaggio a Marziale", Edizioni L'Arca Felice.
Si tratta di una raccolta di ventiquattro epigrammi, scelti e tradotti dallo stesso Mario Fresa, come cita il sottotitolo. E' un gioiellino letterario, intanto perché Mario Fresa ci ricorda, con un tuffo nella classicità latina (ed è un bene che noi tutti si riprenda, di tanto in tanto, una salutare lettura, o ri-lettura, dei Grandi che ci hanno preceduto, specialmente greci e latini), un poeta un po’ trascurato: leggiamo infatti nelle note che lo stesso Fresa ha riportato alla fine del libretto, che Marco Valerio Marziale era uomo d'ingegno, acuto, pungente, che aveva nello scrivere moltissimo sale e fiele e sincerità, ma non saranno eterne le cose che scrisse (Plinio il Giovane).

C'è poi da considerare l'acume letterario e poetico di Mario Fresa, che ha scelto ad hoc i 24 epigrammi traducendoli in base ad una "interpretatio ludica" dei testi, come egli stesso precisa nella nota finale.
La scelta della rima, continua Fresa nella nota, nasce dall'idea di una costruzione burlesco-sintetica della parola tradotta, nell'ipotesi di un travestimento di trasversale giocosità straniante.
Non c'è modernizzazione ma, al contrario, una specie di regressione gioiosamente infantile, in cui lo strumento edonistico del suono tende alla demolizione della presenza, e soprattutto dell'autorialità, dello stesso traduttore-giocatore.
Il libretto, in elegante veste tipografica, è arricchito da due pregevoli "interventi visivi" di Carlo Villa.

di Giuseppe Vetromile
     (26/11/11)

Omaggio a Marziale di Mario Fresa
Plaquette di arte-poesia a tiratura limitata
(299 esemplari numertai a mano, così suddivisi: 180 con numerazione araba e CXIX con numerazione romana contenente disegni di Carlo Villa)
Collana “Hermes", Ed. L’Arca Felice, Salerno, 2011
ISBN 978-88-905854-6-3
http://edizionilarcafelice.blogspot.com

Da Imperfetta Ellisse

blog di poesia e altro...

a cura di Giacomo Cerrai

Questo libro di Marco Furia (Pentagrammi, Ed. L'Arca Felice, 2009) si presenta compatto, senza divisioni in sezioni o capitoli, come una silloge serrata, di una musicalità percussiva, di canone (in senso musicale) o di bolero  (ma nella prefazione si cita giustamente Debussy). Linguaggio depurato dai suoi connettivi e anche, cosa molto importante, dai verbi. Cioè dalle azioni, dalla temporalità che il verbo è chiamato ad esprimere, sia esso un passato più o meno recente, o il presente ininterrotto che caratterizza tanta poesia contemporanea. Quello che c'è è una martellante presenza di participi passati in funzione aggettivante o di infiniti, cioè quanto di più spersonalizzato nella funzione verbale. E' una scelta, di un prosciugamento del linguaggio in segni, questi sì, effettivamente, adatti a inscriversi in pentagrammi, in partiture di lettura ed esecuzione. Va da sè che se ci fosse un io in questi testi, esso sarebbe pietrificato nel corpo del testo, come in un blocco di marna asciugato dal sole. Non è un caso quindi che Mario Fresa, nella prefazione, parli di "istante infinito della parola" e di "coordinate spaziali e temporali (..) radicalmente azzerate e ricostruite secondo immagini coraggiosamente libere dalla gabbia del nome e dell'identità".

La costruzione è quindi massiccia, come si diceva, perfino squadrata, con i suoi venti testi di trenta linee ciascuno. Se un rischio c'è in questa scrittura è l'effetto eco o l'ipnosi, il sogno, il déjà lu, la ripetizione di un modus trovato e riconosciuto soddisfacente al sé, e quindi una auto maniera, ma forse, anzi sicuramente, c'è un modus in rebus, una modalità insita nella cosa linguaggio, nel tipo di linguaggio selezionato, che (cito ancora Fresa) è "felicemente dimentico di quel rapporto basso, utilitaristico, secondo il quale la parole deve coincidere col senso e il senso deve identificarsi con ciò che si mostra". Da qui una sua particolare efficacia, di onda piuttosto consistente che si frange sul lettore e, viceversa, lo scuote.

Jacopo Ricciardi, Il macaco, Edizioni L’Arca Felice, Salerno 2010, pagg.15, s.p.i.
a cura di Raffaele Piazza


Il macaco è una plaquette di Jacopo Ricciardi, pubblicata in copie numerate. L’autore è nato a Roma nel 1976 ed è stato l’ideatore e il curatore del progetto culturale PlayOn per Aeroporti di Roma. Ha diretto la collana PlayOn dell’Editore Scheiwiller. Ha pubblicato due romanzi e otto libri di poesia. A Il macaco è associata una grafica laser dell’autore stesso. L’opera è costituita da nove brevi o brevissimi componimenti poetici, tutti senza titolo. Il macaco, scimmia che dà il titolo alla plaquette è un primate di dimensioni medie lungo da 40 a 75 centimetri; i macachi sono il genere di primati a più ampia diffusione dopo l’uomo. Il macaco, potrebbe simboleggiare una condizione ontologica preumana, in senso evoluzionistico ed estetico, o, anche, una zona dell’io preconscio o inconscio. Alta, nella sua stringatezza, la prima composizione della raccolta, composta da tre versi luminosi, icastici e scattanti, testo che potrebbe avere anche una valenza programmatica: «Il rosso del macaco strilla nella sera/ il piede nell’acqua/ chiusa della luna».

L’incipit della poesia è particolarmente forte perché è veramente riuscita e suggestiva l’immagine, il sintagma, Il rosso del macaco. Le poesie, contenute in questa plaquette, hanno un carattere vagamente epigrammatico e di aforisma, nella loro brevità e concentrazione e sono tutte caratterizzate da eleganza e da un forte controllo formale da parte di Ricciardi. A livello compositivo si tratta di componimenti eterogenei tra loro, alcuni costituiti da una singola strofa, altri da versi staccati, intervallati da uno spazio, come quello suddetto. Ricciardi nel comporre i suoi versi è abile e produce sempre esiti di grande bellezza. A volte l’autore ci propone poesie di una semplicità disarmante che, tuttavia, sono dotate di una grande forza espressiva: «è il mio cielo/ la mia storia/ il resto non m’interessa». In questa composizione tutto resta taciuto:. si parla di un cielo, di una storia e di un resto che non interessa e, il fatto che ogni riferimento resti presunto, ne accentua il mistero.

Si parla in questa poesie di categorie come la storia, anche se è una storia privata. Del resto il filo rosso, la cifra dominante del testo è una forte interiorità, commista ad una forte introspezione, che fa emergere dei versi vaghi e affascinanti, indistinti, adombrati talvolta da una vena neorfica: «resto qui/ tra i fogliami a guardare/ la felicità/ formarsi/ disfarsi/ formarsi/ disfarsi», versi formati a volte da una singola parola, simile ad un mattone solido inserito in un piccolo muro. La grafica laser, inserita nel testo e vaga ed evocativa: in essa non ci sono macachi ma una falce di luce luminosa campita in un fondo scuro e, nella parte anteriore una figura simile ad una maschera, con due occhi ellittici e un naso accennato.

I rapporti tra le nove poesie e la figura potrebbero essere rappresentati da un senso del mistero, che accomuna il versante letterario con quello visuale: del resto sono sempre interessanti i livelli di intersezione tra le arti, per dare al fruitore la rappresentazione di un’opera complessiva più articolata e composita di quella che può essere un testo poetico tout-court. Queste poesie hanno una forma che a volte ricorda la poesia degli haiku, anche se è formalmente diversa. Un attraversare il mare magnum della vita, con poche parole misurate, questo il senso della plaquette di Ricciardi.

Vincenzo D'Alessio, Profili critici (Fara Editore, 2010)

Vincenzo D'Alessio nel suo libro di recensioni Profili critici, edito da Fara, ha dedicato ai nostri libri alcuni articoli che qui riportiamo.

Su PigmenTi di Antonietta Gnerre

Edizioni L’Arca Felice, 2010

recensione di Vincenzo D’Alessio

In tempi violenti, segnati dallo spasimo continuo del dolore sociale e morale, come quelli che viviamo, un attimo di sosta, nei versi della splendida plaquette della poetessa irpina Antonietta Gnerre, è come acqua che disseta l’arsura del corpo. PigmenTi è il titolo della raccolta.
I poeti, le poetesse, sono da secoli la parte migliore della società organizzata dagli esseri umani. Sono le sagome, mobili, esposte ai venti gelidi delle inquietudine e delle sofferenze. Vivono ai margini delle società votate all’economia del vivere quotidiano. Si alimentano del colore dei sogni, scoperti nel confronto con la Natura.
La raccolta che ci propone la Nostra è possibile accostarla a quella di un grande poeta del Novecento, Benito Sablone del volume L’Angelo di Redon (edizioni Tracce, 2000). Sablone rende omaggio al grande artista francese Redon Odilon, con versi ricchi di quell’ardito passaggio della lingua, definito Simbolismo, che vede nel simbolo l’archetipo della Poesia. La Gnerre fa un analogo passaggio prendendo spunto, attraverso analogie e metafore, dal simbolismo naturale. Il pigmento che colora tutte le forme viventi. La linfa che alimenta uomini, animali e piante. L’alito infuso dal Creatore alle sue creature.
Simboli di vita che ritornano nelle stagioni. Così dalla prima raccolta pubblicata dalla Nostra, che recava il titolo Anime di foglie, si giunge a quest’epilogo che svela, in tutta la sua complessità e nel suo vigore, la maturità raggiunta in poesia. Simbolismo contemporaneo che riversa, nel Dio nascosto allo sguardo materiale degli uomini, le speranze per superare “il flagello della tempesta dei ricordi” insita nella mente di ognuno di noi: “(…) Eppure, sento, che non hanno riparo / queste mie pene./ Nascono dalla / tua materia, per restare sul rigo / di un grande motore umano. / La mia carne”. Eccoci di fronte al testamento spirituale della poetessa. Rieccoci di fronte all’invocazione, rivolta al Creatore e al suo creato, di riuscire a comprendere la veridicità del dolore che si subisce, che si accoglie, che ci conduce a quel Golgota di fine vita. La metafora si ricompone nel verso “foglia disabitata”, come l’invocazione nella Passione “Padre perché mi hai abbandonato?!”. Tutto il creato “trema” di fronte alle porte del Mistero. Ogni creatura, annientandosi, cerca nei “propri segreti”, analogia del dialogo interiore, la Speranza “di amarti / senza mai più tardare”.
Quest’affermazione appartiene agli animi grandi. Alle coscienze preparate all’incontro finale con sorella Morte. La risposta all’interrogativo, perché viviamo, viene colmato dalla Gnerre, in questa raccolta, ancora nel dialogo simbolico con gli elementi della Natura, uomo compreso. L’ikebana, citato in una della poesie, bene rappresenta lo sforzo semiologico di” sgranare i lucchetti dell’universo”, di scardinare finalmente i dubbi e raggiungere le certezze, attraverso la poesia.
Una poetessa che ha toccato, dopo un duro cammino, le sponde dove sorge la sua poesia. Un cammino, simbolicamente a ritroso, per ritrovare lo spirito primo, puro dell’infanzia, che nutre la versatilità e aiuta a superare le insidie dell’esistere. Lo declamano i versi che ancorano la poetessa ai luoghi della nascita: “Irpinia, mia sventura e mia sopravvivenza / terra del mio sangue, verde e cosmica/infinita fino a schiacciarmi”. La coscienza che il luogo dove vive lo spirito è quello del mito della nascita ma ha bisogno degli spazi ampi del circostante per liberarsi e comporre.
Prova poetica di elevato spessore filosofico, senza abbassare la musicalità delle composizioni. Una pietra miliare nella poetica di Antonietta Gnerre. 

Su L’enigma della macchina per cucire di Domenico Cipriano

Ediz. L’Arca Felice , Salerno 2008

recensione di Vincenzo D'Alessio

La voce narrante del solista del nostro Sud, Domenico Cipriano, è riuscita a tracciare in questi anni un percorso non facile da seguire, foriero però di un’articolata essenza tautologica per le sfortunate vicende del meridione d’Italia. L’esordio poetico è stato il volume Il continente perso Fermenti, Roma, 2000 al quale sono seguite esperienze poetiche di varia natura, tutte articolate in perfetta armonia con il carattere “criptico” dell’Autore e un linguaggio altrettanto “solare” da rendere pienamente la vena poetica in tutta la sua energia.

Cipriano ci annuncia il futuro della nuova scrittura poetica, inscritta in un pentagramma di settime, quinte e sedicesime, tanto per restare in tema jazz, che viene dal Sud ma è pronta per scalare le vette della poetica nazionale, ascritta nelle belle pagine della buona letteratura contemporanea. Sono questi i prodromi che il Continente annunciato mostrava e la fede nella Poesia declamava quando scriveva: ”Cerco di dare volto agli oggetti / esposti, ai portafoto sulla credenza / a sedie e tavoli appena consegnati / attribuirgli un nome di possesso: / un’anima di riflesso.” (Il fauno, ediz. 2002).

In questo scrivere per “fare” il Nostro si avvicina all’idea di Poesia che Gianni Celati indicava nel maggio 2000 su un quotidiano provinciale: ”La poesia è l’arte delle parole che trovano una strada solo per effetto dei loro ritmi e della loro grazia” («Il Corriere», Avellino). Così accade per questa breve plaquette di versi arricchita da una tavola originale dell’artista Prisco De Vivo. La parola cammina su strade aride, in momenti sempre troppo difficili, di fronte all’invadenza della violenza che uccide, che non permette la Giustizia e la Libertà a nessun italiano sincero. Seguiamo i versi di questa prima composizione: ”Abbiamo una visione tumefatta delle cose / da qualsiasi lato giriamo la testa troviamo / aghi che ci pungolano gli occhi.”

Il poeta Cipriano diviene allora “il sarto” in nuce: l’arcolaio pronto a cucire il passato di una stupenda e poverissima civiltà contadina, con l’arido deserto delle megalopoli. Affiora la dolce prosodia che distingue la poetica di Cipriano: ”Rigiri / il bicchiere che profuma colmo di vino / e sorseggi la solitudine dell’uva, qui / dove la terra si contorce e la curva in lontananza / nasconde il fascio affiorato del faro.”

C’è tanta speranza. C’è la suprema lezione dell’Infinito leopardiano. Ci sono le note della terra e dell’anima stimmung alla quale il versificare del Nostro ci ha abituati.

Vorrei ricordare che quest’autore, nonostante la sua giovane età, è stato firmatario e ha condiviso le idee innovative del Manifesto dei Poeti Irpini, sottoscritto proprio nella sua realtà natale, dove si andavano forgiando le tumultuose anime poetiche di gran parte dei firmatari. Cipriano è nato poeta e l’altezza della sua maieutica è corrosiva, rilucente, metafisica. Questi versi lo dimostrano: ”Quanta dura scrittura scuce le mani / scortica mura atroci: amara impura / frase cercata oscura per la cura della / notte asfittica ricercata dalla veglia / sonnambula.”

Auguriamoci che queste voci del Sud continuino a vibrare nel coro della Poesia contemporanea.

Su Inoltramenti di Alessandro Ramberti

Edizioni L’Arca Felice, 2009

recensione di Vincenzo D'Alessio

Il settimo volumetto delle Edizioni L'arca Felice di Salerno, nella collana “Coincidenze” curata da Mario Fresa, è Inoltramenti di Alessandro Ramberti: poeta, scrittore e editore in Rimini. La casa editrice salernitana si pone, nel panorama letterario italiano (e meridionale), come capace di “creare una comunicazione speculare tra le forme della poesia e le forme dell’arte visiva”. In tale scelta ogni volumetto è accompagnato da una stampa, dello stesso formato, ispirata ai contenuti della raccolta poetica. In questa di Ramberti c’è un “monaco” (inchiostro su carta) realizzato da Francesco Ramberti.
La prima pagina è autografa dell’Autore, scritta a Natale del 2008, e il primo verso recita: “Pause nel silenzio / i versi (…)”. Questo procedere della poetica di Ramberti è la continuità delle due raccolte precedenti In cerca (Fara, 2004) e Pietrisco (Fara, 2006) che noi abbiamo letto e premiato in due concorsi letterari. Proprio dalla raccolta Pietrisco nasce il verso che congiunge questo inoltrarsi nella ricerca della parola-versi: “Ho poco da esprimerti / e se ti parlo è per dar vita in te a me stesso”. Traccia/orma che la poesia La grammatica sprofonda, di questa nuova raccolta, accoglie in questi altri versi: “quello che dici / sono capsule di un codice / in evoluzione.”
La scelta di Ramberti è l’abito talare indossato dal certosino che ricerca la perfezione del trascendente nella penna d’oca che stringe tra le dita: il pollice che lo rende umano e l’indice che lo avvicina a Dio. Ma quale Dio? Ce lo indicano i versi della poesia Echàd (Uno) dedicata al padre Roberto scomparso dal mondo: “perché noi siamo / la cifra del tesoro / di cui ci fai custodi nel cammino / ardente di sconfitte che redimi.”
L’intera raccolta vibra di una intensità d’amore verso l’altro, la speranza, la musica dell’anima.
Noi seguiamo il “porto” sicuro che il Nostro ci indica in questo suo viaggio, simile ai fotogrammi di un film, intrapreso dalle prime composizioni e seguito in queste che raggiungono il lettore/interlocutore attivo, attraverso un invito specifico: “A te che leggi ed accompagni / al mio il tuo pensiero” (Urna viva). Proprio su questo ossimoro scorgiamo il desiderio profondo e non celato dell’autore di raggiungere: “cammineremo lungo nuovi sentieri / fraternamente” (Pause nel silenzio).

Su Moniaspina di Monia Gaita

L’Arca Felice , 2010 recensione di Vincenzo D'Alessio

Ritrovo, dopo circa dieci anni, la poetessa Monia GAITA, e la sua poesia. Alla tredicesima edizione, del Premio Nazionale Biennale di Poesia “Città di Solofra”, la Nostra venne segnalata, in modo speciale dalla Giuria dei Giovani, per la limpida forza delle figure poetiche espresse nelle poesie a concorso. Tra queste venne scelta la poesia “A mia figlia”(1998) che riportava questi versi: “(…) E se il vento ebro di affanni offendeva i rami, / la mia voce forgiava falde ambrate, curvità d’argento./”  Oggi, nel leggere i versi della plaquette Moniaspina, pubblicata nella collana “Coincidenze” dell’editore “L’Arca Felice”, ho ritrovato la voce pura della madre che raccontava “storie fiammanti di principi e fate” alla figlia immersa in un “sonno di statua”.

Un cammino lungo, sofferto, operoso, questo di GAITA. Una smania vorticosa di raccontare il suo stato” verginale” di poetessa operosa, instancabile nello scavo alla ricerca della “parola” poetica che completi la  sete di comunicabilità.  La Nostra cerca il lettore-interlocutore proponendo un viaggio nell’acribia dei versi; smarrendolo in una odissea della parola; prendendo in prestito dal Novecento l’invito del nobel Eugenio MONTALE della poesia “i limoni”:” Ascoltami, i poeti laureati / si muovono soltanto fra le piante / dai nomi poco usati: bossi, ligustri o acanti.”

Tutta la ricerca è l’invito, provocatorio, all’ascolto della poesia. 

Lo scrive, nella presentazione alla raccolta di cui parlo,  Mario FRESA: “L’esemplarità e la forza della scrittura poetica in Monia Gaita si fondano sulla sostanza di un gioco proteso alla fuga continua, all’irrequietezza di una mobilità sinuosa e nervosa che mai conosce il muro di un ostacolo” (pag. 7).

La similitudine, la metonimia, l’uso dell’enjambement, i passaggi asindetici dei versi, il corpo delle poesie diviso in tre strofe (prevalentemente), spingono il lettore a inseguire il gioco in cui: “In càmera / dò una marginatura àmpia / ai fogli del sentire” (pag. 9) in precedenza, nella stessa composizione: “(…) mentr’inanello di gràzia perlinguale / pure le chiòme marcate delle voci” (pag. 9). Le parole, forgiate in versi, somigliano a ferro incandescente battuto sopra una incudine da un maglio instancabile , mentre il suono, pervade l’orecchio nell’ascolto con un continuum  che tenta di vincere: “Eppure fogliamo, / senza né capo né coda di speranza, / desideri” (pag.15)

Le figure ricorrenti nei versi: “la paura”; “la speranza”; “il vuoto” e i versi a pag. 25 mi confortano nell’indicare la necessità della poetessa di raccontare la “speranza” quale “desiderio” profondo e inesauribile da comunicare al lettore: “(…) Potrei anche morire / nella cambusa di speranza di quest’ora / e batacchiare ulivi di corallo, / pomiferi radianti, / al desiderio.”

Più avanti la Nostra dirà ancora: “(…) Scocuzzolato pessimismo. / Prurisce d’improvviso / l’emozione” (pag. 26). Quanta forza creativa c’è in questi versi , ma non è facile inseguirla. Bisogna, per forza di lettura, comprendere che la poetessa racconta di sé con questi versi: “(…) Non so saltare dal trampolino dei divièti” (pag. 22).

Una strada scoscesa, verso il mare della poetica di Monia GAITA, che ha messo tante “spine”(provocatorie) alla rosa di questa esemplare raccolta che si apre e si chiude (in quarta di copertina) con un manoscritto poetico che indica al lettore la chiave per entrare nelle volute della conchiglia che difende il fragile corpo del poeta: “(…) Muoio e risuscito / un milione di volte / nei miei versi.”

GRADIVA International Journal

 NUMBER 39/40  
  SPRING/FALL 2011 
Recensione di LUIGI FONTANELLA dedicata a Vincenzo Di Oronzo e ad In fuga dal volto

GRADIVA International Journal

 NUMBER 39/40  
  SPRING/FALL 2011

"RASSEGNA DI POESIA"

Recensione di LUIGI FONTANELLA

Pag. 258

Antonietta Gnerre, PIGMENTI, Salerno, Edizioni L’Arca Felice, 2010.

Avellinese, studiosa di poesia religiosa del Novecento, fervida animatrice e organizzatrice culturale. Antonietta Gnerre ci offre un libriccino delizioso e trepidante, com’è la sua poesia fatta di sussurri, momenti attimali di intensa intimità colloquiale, di epifanie luminose nelle quali e alle quali affidare una speranza per un mondo migliore; un mondo in cui si possa riscoprire e ri-imparare a conoscere e a praticare l’amore cristiano, “limpida meravigliosa / luce che si alza attraverso i soffi / dei nostri cuori.” La plaquette, a tiratura limitata, si lascia leggere con pacata e al contempo fremente partecipazione emotiva, ed è impreziosita con dipinti di Raffaele della Fera e Tonino D’Amore.

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  SPRING/FALL 2011

"RASSEGNA DI POESIA"

Recensione di PLINIO PERILLI

Pag. 254

Giacomo Cerrai, Camera di condizionamento operante, Salerno, Edizioni L’Arca Felice, 2009.

Una plaquette deliziosa e briosa questa di Cerrai (pisano di S. Giuliano Terme, classe ‘49, laureatosi con Silvio Guarnieri e una tesi su “Solaria”); arricchita da un acceso “pensiero visivo” di Roberto Matarazzo, e in linea con l’indubbia freschezza della collana “Coincidenze”, a cura di Mario Fresa che appunto annota, del Cerrai, questo sotteso ed espresso “desiderio di porre infinite domande a qualcuno che è assente, o che ha lasciato il campo (o che si rivela una chimera, cioè l’estremo riverbero di un sogno mai realizzato)”…  E ci piace, di queste domande che si (ci) rispondono, proprio la compunta e ardita autocritica, una sorta di assisa ma briosa, fervorosa ironia: ”L’incuranza era articolazione / retorica dei fenomeni, diffidenza / di norme in ah e oh, / i senni e i poi / d’una piccola esigua società; / indagavi / cosa scegliere di questi capi / di veniale accusa, il merito / di sentirsi nel confronto meno reo”…

GRADIVA International Journal

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"RASSEGNA DI POESIA"

Recensione di PLINIO PERILLI

PP. 257/258

MARCO FURIA, Pentagrammi, Salerno, Edizioni L'Arca Felice, 2009, pp. 48.

Mario Fresa, che qui a Marco Furia dedica una specchiata e abbracciante prefazione, parla di istante infinito della parola: "il testo disegna un ansioso dialogo con una dimensione altra e sfuggente, che in ogni passo fa riverberare ulteriori infinibili dialoghi: e pare di trovarsi in una camera di specchi sovrapposti l'uno sull'altro"...Ma a parte gli effetti ottici e le cognitive o rifrangenti vie di fuga, questi Pentagrammi  hanno anzitutto il pregio di "duettare" con sette grafiche-collages di Bruno Conte, artista sempre malioso di lucentezza (concedendo a quest'ultimo termine l'accezione più metafisica possibile!). Ne esce un volumetto assai raffinato, dove Marco Furia - genovese del '52, già collaboratore di Adriano Spatola e che esordì nell'84 con Effemeride, proprio nelle edizioni di Tam Tam - propone a Conte come un echeggiamento parallelo, un trasvolo fragrante e per fortuna (cosa rara per la poesia, sempre più spesso plumbea o nebulosa deriva) come pantografato, inciso e rivissuto con la punta d'argento della felicità: "Trasparenze discordi / lustra bruma / fosche, terse fattezze / umida luce / pur pentagramma, taciti/ baleni / fluidi, acquei riflessi / melodiosa gemma, gioiello / tremito (colore/ mai udibile canto?)"...

farapoesia

dalla tradizione i nuovi percorsi farapoesia

lunedì 19 settembre 2011

Su La virtù del chiodo di Giuseppe Carracchia

EdizioniL’Arca Felice, 2011, con un disegno fuori testo, Fleur, di Aki Kurodaù


recensione di Narda Fattori


v. anche le recensioni Sebastiano Adernò e  Alessandro Ramberti

Mi piace introdurre una nota di lettura critica per questo delizioso libretto di poesia, impreziosito dalle immagini, con quanto l’autore manoscrive in quarta di copertina e che dà ragione del titolo: “la   virtù del chiodo è innanzitutto, per me, il poemetto dell’antinichilismo. Incanto e complementarietà di ragione e sentimento”. La virtù del chiodo si colloca semanticamente all’interno di un ossimoro: il chiodo ha una punta, fora e trapassa e , in quest’azione di violenza, unisce, avvicina, consente di portare alla visione il lontano accanto al presente o , ancora, permette la coabitazione di istanze opposte, senza che esse stridano e confliggano. “(Che non puoi piantare un chiodo/ in cielo per appenderci un pensiero / mi chiedo, sarà poi così vero?)”, afferma già in apertura il giovane ma tutt’altro che ingenuo poeta.

Infatti le poesie che incontriamo nel poemetto, azzardano un altro ossimoro: inseriscono all’interno di una costruzione metrica armonica, che non si priva di rime, di allitterazioni, di metafore altamente significative, una visione della realtà che persiste nell’incostanza dell’essere ma che dalla sua stessa incostanza trova ragione d’essere e verità, perlomeno dubbio. Carracchia vede nell’informe la forma, la lezione che la ragione trae dalla visione.

L’apparente leggerezza della scrittura cela e svela; si leggano questi versi: “La virtù del chiodo che regge frattura [ovvero ciò che si è spezzato, separato franto] / e vuoto svela la falsità del niente: / compiutezza del ragno che ha mura / e casa in aria d’un prisma lucente”. Ciò che è fra parentesi è mia considerazione a cui vorrei mettere in relazione gli ultimi due versi: la casa in aria, perfetta, prismatica e salda fra le mura del ragno. Dunque l’aleatorio di una casa in aria è invece stato di compiutezza per il ragno.

Ma di ogni singola poesia potremmo citare immaginifiche verità celate ad uno sguardo che non sia attento; che “vede”, si apre alla visione e scopre la perfezione nell’imperfetto e viceversa: “La proporzione delle parole spacca / dal ventre la pietra…”, “ germoglio in nodo al noce”;  si noti la padronanza delle rime interne, delle assonanze, la padronanza assoluta e non scolastica del metro.

Carracchia è un poeta giovane che davanti alla materia che tratta, direi un piccolo saggio di filosofia sulla perfezione dell’imperfezione, o una dimostrazione della logica dei frattali, utilizza uno strumento raffinato come la poesia con padronanza per cui leggiamo piccoli capolavori di intelligenza in forma d’arte.

Meritano una riflessione ulteriore alcune sue considerazioni poste ad apertura o a chiusura di un percorso poetico che si svestono degli abiti belli della poesia e rivelano ex abrupto l’intenzione del poeta.

Ma questa plaquette non contiene niente di sapienziale, di supponente, di saggistico, anzi si dona a chi ha cuore e ragione a monito della superficialità del nostro sguardo.

Per conservare il suo chiaro e non intriderlo nel materiale che affronta, il poeta si annulla; poesia non ombelicale dunque; l’io in quanto portatore di ingombri, manca : sono i sensi a percepire e la ragione a dire il percepito.

È veramente una piccola opera di grande caratura poetica ed esistenziale.

Pubblicato da alessandro a 11:13

 

blanc de ta nuque

martedì 13 settembre 2011

Giuseppe Carracchia

Avere 23 anni ed essere già al quarto libro di poesie attesta perlomeno chiarezza in merito al mestiere che si è scelto. E di «mestiere» parla lo stesso Giuseppe Carracchia ne La virtù del chiodo (L'Arca Felice, 2011) che egli, anche ne Il verbo infinito (Prova d'Autore, 2010), associa all'arte della tessitura, assecondando così l'etimologia ed il destino dello scrivere testi, consistenti nell'intrecciare fili con metodo, avendo un progetto. La sostanza di quest'ultimo, nel caso di Carracchia, è sicura, così come la difficoltà conseguente, nella misura in cui «il verbo», a suo dire, deve incidere la carne pur avendo natura ariosa, ma non essere «solo aria» né «solo carne». Il tutto inseguendo la bellezza, che è cosa viva, «l'inarrestabile cammino verso la vita aperta» come scrive François Cheng citato in esergo. Bellezza e vita, qui, sono la stessa cosa, e lo sa bene Carracchia quando ammonisce e auspica: «Questo ci rimane e questa pare ci avanza / predisporre miracoli e cure, vivere / facendo della vita una danza». Proposito nietzscheano poi amato dal Rilke dell'Orfeo, che pretende l'occhio apollineo per poterne raccontare l'ebbrezza. In altre parole questo movimento è «la virtù del chiodo che regge frattura / e vuoto svela la falsità del niente».

Costruire su quel vuoto, amando quanto ci rimane e avanza, ispira entrambi i libri, che hanno nel fiorire – in questo verbo decisivo per la cultura moderna, da Novalis a Pascoli sino all'Ereignis heideggeriano – l'imprendibilità dell'origine e la forza della nascita, dell'aprirsi al senso delle cose.

Carracchia vorrebbe tenere sulle punte anche la scrittura, sapendola esercizio massimamente difficile. E infatti lo è perché talvolta, soprattutto nelle quartine, qualche semplificazione si avverte (rime facili o soluzioni tematiche a sentenza secca, comunque ben presenti anche in Caproni sin da Il muro della terra, per cui difficile rimproverarlo senza sentirsi in difetto). In ogni caso, io lo preferisco quando il respiro si fa più ampio e l'arco del pensiero sboccia senza fretta; del resto, anche molte quartine si lasciano gustare, ed è quando, forse memori dell'haiku o della concinnità classica, circoscrivono azioni ordinarie, dando loro valore universale. A 23 anni mi pare un traguardo di tutto rispetto.

Da il verbo infinito




“la semplicità non è il punto di partenza, ma il fine”






(dalla sez. Esistere)




Mi sono fermato -nel silenzio
metafisico che precede un assedio spartano-
ad ascoltare il battito del cuore
vecchio tamburo di latta
e ho sentito il suo lieve percepire
la musica che nel lontano Catai fanno i bambù
quando sono accarezzati dal vento


come le scarpette di un fiore
io voglio essere unito
e sempre slacciato








(dalla sez. Amare)






*


Se chiedi a me perché
amore, ti rispondo non so
e se so non capisco.
Ma c'è un fiore sulla mia scrivania
un fiore di carta, amore mio.
L'hai portato stamattina
in abbonato col caffè.
C'è un fiore di carta
solo per me, tutto rosso
e gli abbiamo dato da bere
a più non posso


perché il nostro amore
è più grande del sapere
e cresce.






(dalla sez. Sbendare)




Libertà è cadere, ma dura poco dirai
e forse è proprio vero -o magari veritiero-
che Pollicino sfalda e sbriciola focacce
solo per perder meglio le sue tracce


Libertà è cadere, e dura poco
se pensi all’eternità
ma è un’eternità
se mentre lo fai non pensi a niente.






(dalla sez. Condividere)






................Alla ragazza Carla,
...............al padre Elio Pagliarani


*


Anche la vita, se vuoi capirla
devi lasciarla andare
e poi cercarla in mezzo agli altri.


Probabilmente qualcuno
avrà capito che la settimana
disabitua dalla domenica e
che il settimo giorno ci si trova
soli come fosse il primo di una
creazione in atto, e nessun matto
al primo giorno già dispera
che la vita è una soluzione
momentanea, poco bella.
Sorridi stella, sorridi ancora
non fermarti ora, è quasi lunedì.
Curati adesso del tuo giardino,
dattilografa garofani
che agli occhi dei passanti
insegnino la vita.










Da La virtù del chiodo




«Chiodo: sottile barra di metallo aguzza da un lato,
solitamente usata per unire o sostenere due (o più) parti;
dal lat. clàvus per mezzo delle antiche forme chiàvo,
chiòvo (dalla stessa radice di clàvis – chiave)»






I




................Così chi cerca a lume di candela
................il passo dell’ombra che il dubbio smuova
................per primo a trapasso silenzio trova
...............e disperato a verità anela






*


Poiché ogn’essere è carpentiere
del tessere il proprio mestiere
e ogni luogo che ha in sé famiglia
porta il mistero dell’occhio, le ciglia.


(Che non puoi piantare un chiodo
in cielo per appenderci un pensiero
mi chiedo, sarà poi così vero?)






*


Sputa al vuoto il ragno tra i cotoneastri
la propria casa a geometria degl’astri
istituisce e ispira l’imperfezione
nostra: il difetto all’azzardo ripone.


Il ragno inquadra, mira e anzitutto osa
(sarà questo il mistero del chiodo:
tingilo d’azzurro e piantalo nel vuoto)






*


La virtù del chiodo che regge frattura
e vuoto svela la falsità del niente:
compiutezza del ragno che ha mura
e casa in aria d’un prisma lucente.






II


…




*


Rivolta la terra il gelo e in roccia
s’abbarbica al cielo esposta la pianta
a strapiombo il terebinto sboccia


forza che squarcia e fendendosi vanta
virtù che s’attacca al calcare in sintassi
e alla vita dona un nome: spaccasassi.






*


A te che cima di bellezza e mondo
per prima hai colto con mano sul mio
volto a premura di madre che va
in fondo e non invano rendo grazie
al tuo universo, tu seconda
persona singolare che m’hai preso
ed immerso feconda compagna
universale in te ritrova grazia
il disperso che impara
il buon uso del sale:
rinsalda a condimento la ferita
ed evita di confondere il male
col rosso che disinfetta la vita.






Giuseppe Carracchia, nato nel 1988, laureando in lettere moderne, vive attualmente a Catania. Ha pubblicato 4 sillogi di poesia: Pensieri notturni (ed. Edessae, 2005), Anime vagabonde (Roma, 2007), Il Verbo Infinito (ed. Prova d’Autore, 2010), La virtù del chiodo (L'Arca Felice, 2011) e una piccola raccolta, Poesie col nastro rosso, nell’antologia Burattinai di parole (Ass. cult. Città Nuova, 2010).

Recensione

Stramenia
poesia
Autori
•	Lucio Zinna
Edizione: Edizioni L'Arca Felice Salerno 2010
Disegni di Eliana Petrizzi - pp. ***
Recensione a cura di
•	Antonio Coppola
Pubblicata su: I fiori del male nr.47/2010

L'edizione l'Arca Felice pubblica una plaquette di poesia di Lucio Zinna con dipinti splendenti di Eliana Petrizzi. Questo nucleo omogeneo di poesie ha molto di nuovo a confronto del panorama odierno di poeti catturati dal verso facile e da elucubrazioni rastrellate nei loro cerebri manierati. La strada percorsa da Zinna è difficile ma durevole nelle asperità e nei consensi; una cosa è più di tutti evidente: e l'occhio traboccante nei luoghi della memoria, da Palermo a Trapani e Bagheria egli mette davanti a sé il suo eloquio vaticinante e lo scaglia nei vicoli, nelle stanze, a Nord a Est, superando la stessa poesia innescando quelle amicizie "salvate" che ancora possono ridare il passo agli stregati luoghi dell' infanzia. Ogni testo consultato si nutre di meraviglia, sprigiona una seminagione di sequenze di tempo sorrette da una sospensione quasi allucinatoria. L'attimo in Zinna non va perduto, viene immagazzinato in una impalpabile retina per poi viverlo di un amore proporzionato alla forza del sangue e delle sue attese. UnaStramenia che ha in se la presenza di una carezzevole brezza di mare, un profumo di zagare e gelsomini che adagio si appoggiano sui muri sbrecciati di Bagheria come ghirlande di speranza o trama di passate stagioni, di rapite estesi che il mare ancora concede ai poeti. Nove testi di esuberante bellezza, un poco la continuazione di Poesie a mezz'aria (2009) variamente scarnificate da un chimismo rapido dove la strada sua si attesta nella sinestesia sia acustica che uditiva. "I poeti vanno | lungo le strade della poesia | se il vento li accompagna | arrivano ovunque | vanificando transenne || I poeti sanno | di altre strade e altro vento |di percorsi sghembi | dai fossati impraticabili | e li attraversano | perché sia tutto tentato | ogni viaggio sempre | nel verso del verso". Zinna annota i punti alti e le sue disfatte, la cerchia degli amici "dipartiti" o presenti, le attese segrete, i contraccolpi della vita, non smette di fare poesia perché in essa si rispecchia, nuota, celebra senza nascondimenti, fruga nel reticolo delle pieghe "in incognite chiromanzie". Una poesia sgusciata dalle latenze e dai soprassalti dei gabbiani e non gli va male all'autore se a fine giornata fiuta un piatto "di maccu di favi cu l'uggghiuzzu bonu" E quel lungomare di Aspra lo cattura di ricordi, quando il suo amico Ignazio Buttitta gli viene incontro e lo marchia di poesia e lo incoraggia della strada intrapresa che il sognatore Zinna può inseguire come messaggio in bottiglia ripescato nel mare di Bagheria. Questo ricordo ora più di prima costante nella memoria e il plurimo sogno di fare poesia perché come si legge in un esergo di copertina "E' sempre tempo di semina | perché è perenne tempo di crescita".

 

gioiadelcolle.info

L’Occhio della Poesia

Alcune settimane fa ho partecipato, in una libreria del centro di Roma, alla presentazione di un’antologia di testi inediti (fra cui qualche mia poesia) di alcuni poeti appartenenti a varie generazioni, accomunati – oltre che da una sostanziale identità di vedute – dal tema proposto come stimolo per la scrittura (poi divenuto il titolo dell’antologia: [...]

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Alcune settimane fa ho partecipato, in una libreria del centro di Roma, alla presentazione di un’antologia di testi inediti (fra cui qualche mia poesia) di alcuni poeti appartenenti a varie generazioni, accomunati – oltre che da una sostanziale identità di vedute – dal tema proposto come stimolo per la scrittura (poi divenuto il titolo dell’antologia: Quanti di poesia. Nelle forme la cifra nascosta di una scrittura straordinaria) e dallo sforzo meritorio compiuto dalla casa editrice (L’Arca Felice di Salerno) e dal curatore del volume, il poeta romano Roberto Maggiani.

L’operazione compiuta con questa antologia meriterebbe un adeguato approfondimento, che non è possibile effettuare nello spazio che ho a disposizione. Posso, invece, riferire in questa sede un episodio che mi sembra molto utile e stimolante per far compiere un altro passo avanti a questa nostra comune riflessione sulla poesia e sulla sua importanza per gli uomini e le donne del nostro tempo.

Un incontro di poeti, che si stimano sinceramente e si sorreggono a vicenda, partecipando poi a un’impresa comune senza soggiacere a invidie e vanagloria, è cosa piuttosto rara, al di là di tutte le apparenze. A Roma, dunque, ci si è arricchiti reciprocamente nel corso di un bel pomeriggio dedicato non solo alla letteratura, ma anche all’arte (significativi sono stati, infatti, gli inserti relativi alla musica e alla pittura). Ma c’è di più. Al termine degli interventi e delle letture degli autori è stato dato spazio al pubblico, come si fa in questi casi.

E uno dei presenti, interagendo al meglio con alcune affermazioni fatte da me in precedenza, è ritornato brillantemente sul concetto di parola poetica, fornendo sostegno alla mia tesi che, a sua volta, rafforzava e confermava alcune sue intuizioni.

Avevo detto che, in poesia, come in ogni arte, non esistono percorsi solitari. E avevo aggiunto che la scrittura di ciascuno di noi è sempre incompleta, finché non s’incontra con la scrittura altrui, come tra l’altro ho già scritto nel mio intervento precedente in questa rubrica. A sua volta quello che scrivono gli altri, reclamando la sua completezza, cerca noi, cerca l’incrocio con la nostra ricerca personale che le darà quel complementodi senso a cui anela. Ebbene: nel suo intervento, il signore romano ha ribadito e completato il mio concetto, affermando che è proprio della parola poetica il fatto di essere incompleta nel momento in cui viene prodotta e parte per il suo viaggio, che la condurrà a completarsi quando arriva a destinazione, nella persona a cui giunge. La parola poetica, pertanto, esiste solo quando si sposta, in una circolarità che le è consustanziale e che la mantiene in perenne movimento da un approdo all’altro.

Quando il porto è quello giusto, il seme della poesia affonda in terra fertile: la pianta si completa e, per usare un’espressione evangelica, “porta frutto”. Poi il seme – di per sé continuamente inquieto e ansioso di toccare altri lidi – riparte nuovamente, alla ricerca di nuovi luoghi e nuovi cuori in cui nidificare e compiersi. È bene, dunque (come affermava quel pomeriggio Mario Fresa, curatore della collana “Coincidenze” in cui l’antologia è stata pubblicata), che il lettore e lo stesso autore ignorino una parte del senso profondo di ogni poesia, in modo da dare la possibilità a quei versi di migrare altrove, fecondando altre menti, porgendo e traendo, nello stesso momento, ulteriore arricchimento.

La poesia, dicevamo, si sposta in continuazione, “… freccia d’esistenza / senza bersaglio…” mi verrebbe da dire con i versi di Salvatore Contessini, uno dei poeti ospitati nell’antologia. È dotata, la poesia, di un’aurea motilità, di un moto perpetuo che arriva a caratterizzarne l’essenza: un andare sempre altrove, alla ricerca di un compimento che appare impossibile. È come la superficie di un lago battuta di continuo dal vento, come un mare maestoso le cui onde non riposano mai. Anche per questo coloro che si ostinano a cercarne la chiave di volta, l’interpretazione rigorosa o il senso esatto, sono come chi non distingue il mare dalla terraferma e dimentica che la superficie del mare non riferisce nulla circa la sua profondità.

Giacomo Leronni

Tratto da “la Piazza” giugno 2011

9 agosto 2011

Giacomo Leronni

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Ogni lettore, quando legge, legge se stesso.  L'opera dello scrittore è soltanto una specie di  strumento ottico che egli offre al lettore per  permettergli di discernere quello che, senza libro,  non avrebbe forse visto in se stesso.  (da "Il tempo ritrovato" - Marcel Proust) Gli occhiali di Spinoza Poesia Daniela Monreale (Biografia) Edizioni L’Arca Felice Recensione di  Marco Furia Pubblicato il 30/08/2011 12.00.00 [con dipinti di Celeste Di Luca] Geometriche passioni Tra passione e geometria si svolge l’articolata raccolta “Gli occhiali di Spinoza”, di Daniela Monreale.  Viene da chiedersi: esiste tra le due uno spiccato dualismo? La risposta della poetessa parrebbe affermativa, almeno a giudicare dal verso: “ma solo l’Amore spezza i teoremi”. Tuttavia “Allora – mi dico – vorrei un piacere  di geometrie”attenua una dicotomia che,  pur esistente, pare non escludere una composizione. Le “geometrie”, dunque, possono essere fonte di “piacere”. Un piacere disgiunto dall’amore? La vivida affettività che attraversa l’intero testo non consente di propendere per questa tesi. Il verso “Essere nel silenzio” è utile suggerimento. Dal silenzio che non esclude l’essere emerge la lingua in tutti i suoi complessi  aspetti: qualcosa di comune, perciò, anche tra elementi discordanti, è possibile riscontrare. Siamo, insomma, di fronte a differenti  fisionomie della natura umana. Può la passione spegnere ogni razionalità o viceversa? Forse in casi straordinari, ma non  nella vita di tutti i giorni. Razionalità e passione coesistono, convivono nei nostri gesti, nelle nostre parole: soltanto  l’estraniarsi dalle vicende quotidiane, esercitando  il pensiero in maniera slegata dai concreti contesti,  consente l’emergere di una netta contrapposizione  tra le due. E se “La poesia è il canale che collega finito  ed Infinito. Così si chiude il cerchio, a riunire due sorrisi”, ciò può avvenire  perché gli opposti sono “sorrisi” riuniti in  un cerchio privo di fratture. Un invito a  comprendere, ossia a distinguere e includere  nello stesso tempo, pare il senso profondo  di un dettato poetico nato dall’intima esigenza di superare certe rigidità. Siamo al mondo, viviamo: questo alla fine conta. Certo, le distinzioni sono importanti, anch’esse  fanno parte del nostro esistere, ma non  dobbiamo cadere nell’errore di considerarle  anelastici modelli. Non meraviglia, perciò, la presenza di versi come “Le mattonelle del pavimento come soldatini in avanscoperta, solcati senza pietà dalle macchine che a sera portano a casa la malinconia in un rombo diaccio di solitudine”, ossia versi capaci di presentare oggetti ed emotività, “macchine” e sentimenti, distinguendo senza  contrapporre. Impegnata in riflessioni davvero feconde, precisa  nel proporre pronunce la cui equilibrata musicalità a volte “s’increspa in scaglie di diamante”, Daniela  convince per quel suo mirare direttamente al cuore  del problema, per quell’accorgersi, con poetica  sapienza, che mostrarlo è già molto e spiegarlo è impossibile.Talvolta, pena cadere in espressioni prive di senso, occorre sapersi fermare, come lei.

AA.VV. QUANTI DI POESIA (NELLE FORME LA CIFRA NASCOSTA DI UNA SCRITTURA STRAORDINARIA). Da 1 a 399 esemplari numerati a mano. A cura di ROBERTO MAGGIANI. EDIZIONI L’ARCA FELICE. SALERNO, 2011, pp. 96.

Desidero esprimere un pensiero di sicuro consenso nei confronti dell’opera antologica Quanti di poesia. Al quaderno - curato da Roberto Maggiani per la collana “Coincidenze” delle Edizioni L’Arca Felice di Salerno - va ascritto il merito, altamente propedeutico, d’essere stato in grado di fornire, attraverso la voce e l’intervento di otto stimati poeti contemporanei, un contributo, una seria testimonianza all’ipotetico approccio (non importa se di scrittura o di lettura) ad una forma di comunicazione che - come evoca lo stesso sottotitolo d’ispirazione novalisiana - si mostra e si rappresenta “straordinaria”.

      Ecco: questo dialogo fuori dagli schemi necessita (oggi più che mai, urgentemente) di un chiarimento, di una corretta comprensione che consenta - nei limiti del possibile ovviamente - di compenetrarlo, di entrarci in sintonia così che le parole non ricalchino le orme di passi già segnati ma siano foriere di nuovi, inimmaginabili percorsi.

      È quello che in definitiva si è cercato di fare: ogni poeta, e prima ancora il curatore nell’introduzione, è chiamato a riferire la propria esperienza, a parlare di un qualcosa che sfugge, forse, persino a lui stesso ma di cui nessun altro può farsi interprete: già, una sorta di traduzione che vede nel poeta - come afferma Franco Buffoni citando Keats nel suo intervento a p.29 - “colui che sa tradurre il ruggito del leone nel linguaggio degli uomini”.

      Il poeta, dunque, è un intermediario: “ci devono essere dei veicolatori del senso della parola poetica” - sostiene Maggiani introducendo un elemento di novità in un contesto non certo inedito - supportato poco oltre dall’acuta considerazione che le intuizioni “partono dalle forme. . . proprio perché in esse è nascosto un significato altro del mondo. . .” e che, quindi, “è proprio da esse che traspare l’intimo segreto della realtà, un mondo extrareale che rivela la propria esistenza nella bellezza. . . ma anche nelle ombre e nella corruzione insita nella realtà.”. Come dire che il reale si manifesta per ciò che è, nella sua nuda essenza: “Lo stereotipo popolare del poeta quale individuo distratto evidenzia sostanzialmente l’inappartenenza. . . al suo tempo e al suo spazio. È questa estraneità che paradossalmente lo porta a osservare. . . con una diversa obiettività. Il poeta è un visionario e la sua visione scaturisce dall’acutezza dei sensi. Una sorta di delirio controllato.”, dice Loredana Savelli rispondendo alla domanda che le viene rivolta sulla questione a p.79.

      Ma c’è dell’altro che spinge a riflettere e dà della raccolta la formula precisa: perché intitolarla Quanti di poesia? Perché si vuole (lo sostiene il curatore ma è palpabile nei testi) stabilire una difficile - ma non per questo inattuabile - relazione tra poesia e scienza per mezzo del parallelismo del principio di indeterminazione applicabile nel campo della fisica come in quello della percezione, della visione e della parola che ne viene generata. I quanti, allora, che qui vengono considerati, simboleggiano quell’energia che si sviluppa intorno alle percezioni ed alle intuizioni del poeta e che, poi, si esplica sotto forma di scrittura.

      Dovrà, pertanto, apparire proponibile quella nuvola di probabilità che investe il lettore permettendogli di partecipare ad un tipo di comunicazione singolare ma pienamente autentica. Così, dalla stessa ci si sentirà avvolti scorrendo i versi de Il mio angelo di Franca Alaimo: “Ma una notte mi sveglio, / Sento - mi sorprendo - un suono / Celestiale, indosso la vestaglia / E a piedi nudi, in silenzio, cerco / Ogni nascondiglio. . . / . . . . / Possibile? Nel bagno? Là, / Dentro i tubi c’è tutto quell’ardore / . . . . / . . . Sarà caduto / Nella cisterna l’Angelo mio assetato. . .”. “Sono i quanti” - dirà ancora - che “D’improvviso mi mettono nella bocca porziuncole di luce, / Un lievito dolcissimo che gonfia il cuore e lo consacra: / Così sboccia la corolla dell’anima e la polvere cosmica / M’ingravida d’amore. . .”. Ed è sempre quella nuvola che Anna Belozorovitch mette in evidenza quando, in uno dei passi riportati, la immagina nel cielo: “E nubi illuminate da un sospiro / trattengono fino al capogiro / il fiato ultimo prima del nero / che lasceranno come polpi in fuga.”. Una difesa, dunque: ebbene si, anche questo celarsi per esistere rappresentano i quanti di poesia.

      Salvatore Contessini sostiene che la sua ispirazione “deriva da un’energia prodotta dall’osservazione dell’ambiente esterno e dal mondo interiore” similmente ai salti quantici degli elettroni che producono luce laddove “prima era il buio” (“Ascolta la frequenza di Pangea / come se fosse suono primordiale / il canto che stride dalla mente / ora che forma / un’emissione di pensiero!”. L’idea eterea della nube quantica è ripresa da Francesco De Girolamo in chiave cosmica: “La poesia è nell’universo, forse, più che sulla terra, ma deve ricadere - asserisce - se non è sterile astrazione, sulle minuscole parti del creato. .” (“Sono io il tuo bambino / e tu la mia cometa / apparsa un giorno / benedetto di settembre / in cui il cielo volle / far cadere una nuvola d’oro / nel grigio del mondo.”).

      E se, per Eugenio Nastasi, il verso come il quanto di luce “dovrebbe giungere a illuminare fin dove è ancora l’amore a strapiombo dal cielo, lungo i frattali che perimetrano i continenti.”, per Giacomo Leronni “L’universo / scende in noi a svegliarci / a consegnare il fresco che ci spetta / prima del vuoto: / . . . . // Quando saremo finiti / finiti perfettamente / nell’inizio perpetuo // nella disgregazione serena / di Dio. . . // la febbre morderà tutto / . . . . // e mai saremo domi o sazi / la luce non ha cuciture / . . . . // la luce non ci deve nulla.”.

      Dopo l’immersione nella parola dei poeti che hanno dato vita alla felice realizzazione di un’iniziativa editoriale ed artistica (non si dimentichino gli scatti fotografici che accompagnano i testi) di sicura originalità, il lettore attento non potrà sottrarsi ad una considerazione: la poesia, questo linguaggio inusuale, questa condizione esistenziale, questa entità che non si lega a nessuna definizione, forse, davvero, è un quanto d’energia. E il lampo che, dalla stessa, prorompe a illuminare la notte del mondo.

                    Sandro Angelucci

Poeti dell’attesa 2. / Lorenzo Gattoni, “Alla confluenza dell’attesa” (Edizioni Arca Felice, 2011)  Di Lorenzo Mari

Misurarsi con l’attesa (e l’abbandono) non è soltanto contribuire alla riproposizione (sicura, e rassicurante) di topiche già largamente consolidate nella tradizione poetica italiana, ma anche una proposta epistemologica, etica e poetica più ampia.
Tale apertura a tutto campo é quanto presuppone, per esempio, e neanche troppo in sotto traccia, la lettura della plaquette di Lorenzo Gattoni Alla confluenza dell’attesa (Edizioni L’Arca Felice, 2011, con dipinti di Luca Bonfanti).
La plaquette, anzi, si apre con una precisa dichiarazione di poetica – ave rara nel panorama poetico contemporaneo, secondo recenti conversazioni, pubbliche e private, con Andrea Gibellini, ma anche soltanto gettando lo sguardo su (più) generazioni che non dicono più “io scrivo così”, limitandosi invece a parlare in terza persona.
L’inizio della dichiarazione di poetica, dunque, recita così, senza veli, né retorici né umani:
“Scrivere è zittire un’assenza. La nostra vita è costituita dall’assenza, nella duplice forma dell’abbandono e dell’attesa. L’una, quindi, rivolta al passato; l’altra al futuro. Ecco perché la poesia può porsi con esattezza sul crinale di questo equilibrio […]”
Le 7 poesie che seguono svolgono, spesso diligentemente – da notarsi la ricorrenza di termini come “attesa”/”disatteso”, “perdita”, “cresta”, “dorso”, a creare un campo semantico ben conchiuso e caratterizzato da lucidità e precisione (con una ferocia chirurgica e una fame che escludono ogni monolinguismo petrarchista) – spesso, tuttavia, con improvvisi squarci di luce, questo tema iniziale.
Si va componendo così un universo segnato dall’attesa e dall’abbandono come se queste fossero leggi fisiche, con le quali la poesia deve venire a patti per trovare le parole (si vedano, per esempio, i testi *girato l’angolo* e *la parola iniziale*, quest’ultimo riportato qui, più sotto).
La ricerca è metapoetica e, siccome l’universo poetico creato da Gattoni è chiuso e normato da leggi (anche se metaforiche, e riguardanti l’attesa e l’abbandono), intrinsecamente metafisica.
Ci si può chiedere perché vi sia necessità di metafisica nella poesia di oggi e se alle domande “cos’è l’attesa?”, “cos’è l’abbandono?” (“cos’è la poesia?”) si debba rispondere ancora tenendo presente una dimensione ideale e trans-storica. Ci si può chiedere se questa ricerca di definizione della poesia tra l’attesa e l’abbandono non sia parte di una ricerca costitutiva della poesia, una ricerca paradossalmente oggi già vecchia (oggi che “viviamo in tempi di proroga”, come si legge nella plaquette di Marchesini).
Resta, tuttavia, ineludibile un contatto, seppur labile, labilissimo, con la dimensione del sacro, per una parola che può farsi sociale – e tradurre attesa e abbandono nelle dinamiche della società e dell’economia contemporanea – ma finisce per appiattirsi su se stessa se non guarda anche – non in modo relativistico ob torto collo, ma in e con relatività – alle leggi che guidano (e tentano di distorcere, fino al silenzio) la parola.


*


la parola iniziale
ha infranto il mutismo
delle cose
            da allora
la replica scortica
quel che di nome
era verità


complici dell’inganno
osserviamo le maschere
in processione mentre
una parte di cielo continua

 

Su Alla confluenza dell'attesa di Lorenzo Gattoni

Edizioni L'Arca Felice, 2010, con dipinti di Luca Bonfanti

nota di lettura di Alessandro Ramberti

«Scrivere è zittire un'assenza (…) nella duplice forma dell'abbandono e dell'attesa. (…) La poesia è quindi ascolto, perché zittire un'assenza significa dare voce al silenzio, al vuoto.»

Cosi scrive Gattoni in esergo a questa saporosa plaquette che, per la capacità di catalizzare immagini spiazzanti e trasmettere scariche emozionali, ci ricorda un po' lo stile di Vincenzo Celli.  Si considerino questi exempla del Gattoni:  «alla confluenza dell'attesa / una nuvola si sfalda / quando ti chiamo / e non ci sei» (p. 7); «il ricambio del tempo / è un'unghia sulla lavagna / e il gesso un miraggio» (p. 8); «scivoliamo sul dorso / del cucchiaio come amanti  / in rivolta, sulle cataste / in cordata annaspiamo» (p. 13). Un versificazione che ci attira subito nel mondo del Nostro e ce lo fa sentire amico, come una voce accogliente che sa varcare con leggerezza (come brezza sotttile) il silenzio fra abbandono e attesa, come testimoniato anche dalla bella poesia in quarta di copertina:

(…)

il tempo è così poco 

è così poco tutto

che avere fretta è sare fermi

e poi è così bella la malattia

dell'attesa, così piena

di catrame e di tramonto

La fasità del niente: su La virtù del chiodo di Giuseppe Carracchia

EdizioniL’Arca Felice, 2011, con un disegno fuori testo, Fleur, di Aki Kuroda

nota di lettura di Alessandro Ramberti

Giustamente osserva Mario Fresa nella prefazione a questa plaquette, che la scrittura di Carracchia “si configura come il procedimento di un gioco di apparente leggerezza, dagli aguzzi e lucidi contorni, ma che poi, d’improvviso, conduce all’affiorare di una inesplicabile, profonda inquietudine…” È del resto evidente che i versi nascono spesso per dare forma alle più profonde domande dell’uomo, inteso sia come individuo che come membro di un corpo sociale di cui il poeta usa la lingua sia pur piegandola, trasformandola, arricchendola con l’uso di uno stile (ovvero di metafore, di scelte sintattiche e lessicali che scaturiscono dal sua personale “reazione” alla cultura o alle culture con cui è entrato in contatto).

Il titolo è molto suggestivo: concreto e robusto eppure quando leggiamo le poesie vediamo che l’Autore si pone in continua tensione (come chi “disperato a verità anela”) con la definizione da dizionario della parola chiodo riportata in esergo alla plaquette (“sottile barra di metallo aguzza da un lato, solitamente usata per unire o sostenere due (o più) parti…”). Infatti la I sequenza contiene questa terzina (notare l’uso delle assonanze e delle rime, assai frequente in tutta la raccolta, come pure l’uso sofisticato della sintassi e del lessico):

(Che poi non puoi piantare un chiodo

in cielo per appenderci un pensiero

mi chiedo, sarà poi vero?)

e si chiude con questa assai interessante quartina:

La virtù del chiodo che regge frattura

e vuoto svela la falsità del niente:

compiutezza del ragno che ha mura

e casa in aria d’un prisma lucente.

Il chiodo pare essere l’unico elemento “consistente e positivo” a reggere frattura e vuoto, due sostantivi (il primo anche, con ambiguità sintattica, verbo) “negativi”, e la suggestiva immagine dell’aerea e luminosa ragnatela non pare sollevarci del tutto dall’impressione di vivere in una realtà effimera e fragile, e di essere effimeri e fragili noi stessi (basti considerare che nella III sequenza il Nostro scrive “… la verità che scioglie il dubbio / annodando in sorriso la vita al subbio”, dove ci pare di cogliere un uso piuttosto ironico ed amaro della parola verità).

L’inquietudine che alleggia in queste pagine, mi ricorda quella che pervade un intenso romanzo di Natsume Sōseki, Kokoro (ovvero, il cuore/l’anima delle cose). Carracchia non a caso ha inserito, oltre alla tavola fuori testo di Kuroda e all’Arbre stilizzato di Alberto Giacometti, alcune illustrazioni naturalistiche all’interno della plaquette tratte da dipinti di Hiroshige Utagawa. Il mondo, con i suoi colori, la sua materia, la sua vita, è reale per la percezione che ne abbiamo? Ha in sé un link che rimanda ad altro oltre il reale materico? È solo la scena per la tragedia (o commedia) umana?

Mi pare siano queste le domande fondamentali sottese, vissuto con un atteggiamento in bilico fra paura dell’assurdo e desiderio di affidamento: dichiarare la falsità del niente è dopotutto desiderare che qualcosa (di buono) ci sia, che il bello del mondo (che include anche la bellezza della poesia), per quanto transitorio, sia il senhal di un bello ulteriore, per quanto assai elusivo. Ad esempio nella II sequenza troviamo che “Il piede che calza la terra è centro”, che “La proporzione delle parole spacca / dal ventre le pietra e s’apre a sé stessa”, che “a strapiombo il terebinto sboccia // forza che squarcia e fendendosi vanta / virtù che s’attacca al calcare in sintassi / e alla vita dona un nome: spaccasassi.”

C’è dunque una forza tellurica, una energia che sa diventare sublime come il melograno che “alla terra in perle di sangue / piove…” e trasformarsi in amore (reale e ma anche immateriale): “… rendo grazie / al tuo universo … / … in te ritrova grazia / il disperso …”.

I versi in corsivo che chiudono la plaquette ci dicono che:

La verità non solo è equazione

edile del costruttore ma volo

azzardo e tensione del calabrone

che (…) continua con le stagioni senza

sapersi ignorante ad insegnare

come di maggio s’impollina un fiore.

Sì, c’è una verità inesprimibile, oltre i costrutti logico-sintattici, che pure la possono evocare, ma anche una verità che va oltre, crediamo (e forse Carracchia non è qui totalmente d’accordo con noi), la natura delle cose.

È questa un’opera poetica, nella sua asciuttezza “giapponese”, davvero ben tornita, ricca di saporosa e prismatica inquietudine, dunque, de facto, vera poesia e riuscita espressione di uno stile originale e già molto ben caratterizzato.

Rimini, 17 giugno 2011

Maurizio Cucchi, 
"Tuttolibri-La Stampa", 06/06/2011

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